lL'agenda

Après une résidence itinérante de six mois à raison d’une semaine par mois dans la Somme et le Pas-de-Calais, l'auteur de polar Pascal Dessaint (Un homme doit mourir, Rivages, 2017) donne une lecture originale de la campagne et de ceux qui en peuplent le quotidien.
Il en ressort « De colères et d'amour », une exposition de textes et de photos où l’on retrouve toute la sensibilité pour l’environnement de cet auteur, vivant à Toulouse mais originaire de Dunkerque, sous une forme poétique pleinement assumée.

« De novembre à avril. De l’automne au printemps. Par les villes, patelins et chemins. De Picardie en Pas-de-Calais. De Somme en Authie. De Drucat à Fort-Mahon. De Flixecourt à Rue. De Nœux-lès-Auxi à Doullens. D’Abbeville à Amiens. De Ponthoile à Frévent. De mer en campagnes. D’usines muettes en forêts foisonnantes. Dans le vif ou à la lisière. Du passé au présent. Comme on prend le pouls d’un pays… » – Pascal Dessaint

18^e Salon du livre d'expression populaire
et de critique sociale
Chapiteau des auteurs
Grand Place et place d'Ipswich
62000 Arras

Salon du livre Arras

À l'occasion du 100^e anniversaire du Bauhaus le Centre Franco-Allemand de Provence, la Fondation Vasarely, les Amis de la Fondation Vasarely et ses partenaires du « Cycle : architecture, enjeux et regards d'aujourd'hui » présentent une exposition de photographies conçue par le Bauhaus-Archiv Berlin.
Sont présentées 100 œuvres clés sélectionnées parmi une collection mondiale de plus de 70 000 photographies du Bauhaus. À travers cinq thèmes de la vie à l'école du Bauhaus (fêtes et représentations, quotidien et loisirs, vie dans les ateliers), en montrant des portraits, des photographies d'architecture et de produits ainsi que les travaux issus du cours de photographie de Walter Peterhans, le visiteur découvre la richesse et la diversité artistique de la photographie telle qu'elle a été pratiquée au Bauhaus.

Fondation Vasarely
Jas de Bouffan
13096 Aix-en-Provence
www.fondationvasarely.org

Comment l’architecture peut-elle transcender la simple construction ? Tandis que l’histoire du discours architectural s’est toujours attachée à répondre à cette question, une formule revient inlassablement : l’architecture a ses effets.
C’est le cas du musée Guggenheim Bilbao construit en 1997. La transformation de la ville en raison du tourisme mondial, ainsi que la redéfinition du rôle du musée en tant qu’icône du changement social et culturel, a engendré le dénommé « effet Bilbao ».
Pionnier dans l’utilisation de la technologie numérique dans la conception, la construction et la diffusion d’images, le bâtiment érigé par Frank Gehry établit un nouveau modèle quant aux effets de l’architecture en utilisant les mêmes outils qui allaient bouleverser nos vies dans les années suivantes.
« Architecture Effects » est une exposition sur l’architecture, l’art et la création de narrations. L’expérience que propose cette exposition est conçue comme un va-et-vient incessant entre la spéculation historique et la conjecture futuriste, en permettant aux visiteurs de se sentir hyper connectés dans l’espace et le temps par le biais du corps et de l’esprit.

[Photo : Frank Gehry, Plan numérique du bâtiment du Musée Guggenheim Bilbao réalisé avec le logiciel CATIA, 1997]

Musée Guggenheim
Avenida Abandoibarra,
2 48009 Bilbao 
www.guggenheim-bilbao.eus

En 2018, le musée national Fernand Léger a souhaité mettre en lumière les riches correspondances thématiques et plastiques qui existent entre la peinture de Fernand Léger (1881-1955), pionnier de l’avant-garde de la première moitié du XX^e siècle, et l’œuvre photographique de Stéphane Couturier, artiste français né en 1957.
La rencontre de Stéphane Couturier avec l’œuvre du peintre a donné lieu à la création de photographies inédites, inspirées par la collection du musée : Stéphane Couturier a choisi le tableau intitulé Le Grand Remorqueur, paysage industriel des bords de Seine peint par Fernand Léger en 1923, point de départ pour le photographe de nouvelles prises de vue, réalisées dans la ville de Sète à l’automne 2017.
L'exposition (prévue jusqu'au 4 mars joue les prolongations jusqu'à fin avril) présente également des œuvres plus anciennes de Stéphane Couturier, qui établissent un dialogue in situ avec les tableaux de Fernand Léger.

Musée national Fernand Léger
255, chemin de Pôme
06410 Biot
www.musee-fernandleger.fr

De l’installation de Louis XIV à Versailles à la transformation définitive du palais en musée par Louis-Philippe en 1837, la demeure royale fut un « chantier permanent ». D’innombrables projets, plus ou moins ambitieux, naissent à la demande du roi et de l’administration des Bâtiments du roi ou dans l’imagination des architectes afin d’adapter le château aux nouveaux usages, d’y simplifier la vie quotidienne, de l’habiller selon les modes esthétiques des époques successives, d’accentuer sa monumentalité ou de lui donner plus de cohérence architecturale.
Colbert, surintendant des Bâtiments du Roi, en 1669, ou le comte d’Angiviller, directeur général des Bâtiments, Arts, Jardins et Manufactures de France, en 1780, lancent de véritables appels à idées auprès d’architectes. Pourtant, le goût des monarques, les circonstances politiques ou la situation des finances du royaume ne permirent à aucun de ces projets de transformation grandiose de voir le jour.
« Versailles, architectures rêvées : 1660-1815 » rassemble une centaine de dessins, plans et élévations d’architecture, projets généraux, aménagements ponctuels ou utopies pour une reconstruction globale de la façade côté ville, mais aussi pour la chapelle, les salles de spectacle et l’architecture des jardins.

Cette exposition s'inscrit dans le cadre de la 1^re Biennale d'architecture et de paysage de la région Ile-de-France qui a lieu à Versailles du 3 mai au 13 juillet 2019. 

Château de Versailles
Place d'Armes
78000 Versailles

www.chateauversailles.fr

« Cartes et territoires » est la première rétrospective de Luigi Ghirri (1943-1992) hors de son Italie natale. Centrée sur les années 1970, elle retrace une décennie au cours de laquelle Ghirri a bâti un corpus d’images en couleurs sans équivalent dans l’Europe de l’époque. Géomètre de formation, il commence à photographier durant le week-end, arpentant les rues, places et faubourgs de Modène, échafaudant des projets et des thématiques. 
« Je m’intéresse à l’architecture éphémère, à l’univers de la province, aux objets considérés comme de mauvais goût, kitsch, mais qui, pour moi, ne l’ont jamais été, aux objets chargés de désirs, de rêves, de souvenirs collectifs […] fenêtres, miroirs, étoiles, palmiers, atlas, globes, livres, musées et êtres humains vus par l’image. »

[Commissaire : James Lingwood]

Jeu de Paume
1, place de la Concorde
75008 Paris
www.jeudepaume.org

Lauréat du Prix HCB 2017, Guy Tillim s’est attaché, avec cette nouvelle série « Museum of the Revolution », à observer les effets de la décolonisation dans les grandes capitales africaines.
De longues déambulations l’ont conduit ces dernières années de Johannesbourg à Durban, Maputo, Beira, Harare, Nairobi, Kampala, Addis-Abeba, Luanda, Libreville, Accra, Abidjan, Dakar et Dar es Salaam. Les avenues, nommées et renommées, agissent en témoins silencieux des flux et reflux des changements politiques, économiques et sociaux. Elles sont devenues « le musée » des deux révolutions majeures qui ont vu le jour dans ces pays lors des dernières décennies : des régimes coloniaux aux régimes postcoloniaux, avec des emprunts aux pratiques socialistes, puis du nationalisme africain aux États capitalistes.
L’exposition à la Fondation HCB est accompagnée d’un ouvrage publié aux éditions Mack.

[Photo : Praça do Metical, Beira, Mozambique, 2017 © Guy Tillim, Courtesy of Stevenson, Cape Town and Johannesburg.]

Fondation Henri Cartier-Bresson
79, rue des archives
75003 Paris

www.henricartierbresson.org

Avec « Jeunes Artistes en Europe. Les Métamorphoses », la Fondation Cartier pour l'Art contemporain présente une sélection de 21 artistes, issus de 16 pays, s'exprimant par le biais de la peinture, de la sculpture, de la mode, du design ou du film. Nés entre 1980 et 1994, ils ont grandi après la chute du mur de Berlin et témoignent ensemble de l'extraordinaire dynamisme des scènes artistiques européennes. La plupart d'entre eux se sont formés ou vivent ailleurs que dans leur pays d'origine, attestant ainsi d'une mobilité bien réelle au sein de l'espace culturel européen. Pour la très grande majorité d'entre eux, il s'agit ici de leur première exposition dans une institution internationale.
Leurs esthétiques souvent fragmentées dévoilent un intérêt pour l'hybridation, le collage et l'archéologie. En s'appuyant sur les legs du passé, les traditions folkloriques ou les mémoires collectives, ils s'emparent de savoir-faire comme le moulage, la céramique ou la broderie. Les œuvres qui en résultent, lyriques, épurées ou sauvages, attestent d'une très forte volonté d'hybridation des identités, des cultures et des modes d'expression. Avec poésie, onirisme et humour, cette nouvelle génération de créateurs contribue ainsi à dessiner le visage de l'Europe d'aujourd'hui et de demain.

[Photo : Stutter, George Rouy, coll. Hugh Monk, Londres. Courtesy de l'artiste et de Hannah Barry Gallery, Londres. Photo © Damian Griffiths]

Fondation Cartier
261, boulevard Raspail
75014 Paris

www.fondationcartier.com

Avec une nouvelle série d’expositions monographiques sur l’architecture, BOZAR et A+ Architecture in Belgium mettent en avant la production architecturale belge, intérêt international croissant oblige. Cette série débute avec la présentation du travail d'un duo d’architectes gantois : Alexander Dierendonck et Isabelle Blancke.
En 2009, leur bureau Dierendonckblancke architecten avait déjà fait partie de la série NICHE de BOZAR consacrée aux jeunes architectes belges. Depuis, le bureau a développé une approche intuitive et idiosyncratique. Ce dernier compte aujourd’hui parmi les valeurs sûres de la scène architecturale flamande. Il a récemment remporté, en collaboration avec Robbrecht et Daem architecten, le concours d’architecture pour la création des nouveaux locaux de la Vlaamse Radio- en Televisieomroeporganisatie (VRT) dans la commune de Schaerbeek.
L'occasion de visiter également ce superbe édifice des années 1920 signé Victor Horta.

BOZAR/Palais des Beaux-Arts
Rue Ravenstein 23
1000 Bruxelles, Belgique

https://www.bozar.be

Les plus grands architectes français et internationaux (Christian de Portzamparc, Jean Nouvel, Jean-Michel Wilmotte, Daniel Libeskind, Winy Maas) ont transformé Issy-les-Moulineaux en favorisant sa mutation de la banlieue industrielle photographiée par Robert Doisneau au début du XX^e siècle en une ville moderne, pleinement ancrée au cœur du Grand Paris, qui s’offre cette année au regard d’un autre grand nom de la photographie, Raymond Depardon.
Le Musée français de la Carte à jouer a passé commande d'une série de photographies auprès de l'artiste, dont l’œuvre photographique et cinématographique a été récompensée par de nombreux prix (Prix Louis-Delluc, César du meilleur film documentaire). Une quarantaine de photos ont été sélectionnées pour l’exposition intitulée « Paysages d’architecture – Une promenade à Issy par Raymond Depardon », dont la scénographie est signée Théa et Jean-Michel Alberola, artiste et professeur à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris.
Une quinzaine d’édifices et sites emblématiques sont plus particulièrement mis à l’honneur, dont certains conçus par de grands noms de l’architecture internationale, à l’exemple du Vaisseau (« V-SO ») par Jean Nouvel (1992) et de Galéo (Bouygues Immobilier) par Christian de Portzamparc (2009). 

[Crédit photos : Portrait Raymond Depardon © Ville d’Issy-les-Moulineaux | Entrée du Vaisseau par Jean Nouvel (DR) © Raymond Depardon | Tour HD par Françoise Raynaud (DR) © Raymond Depardon]

Musée français de la Carte à jouer
16, rue Auguste-Gervais
92130 Issy-les-Moulineaux
www.museecarteajouer.com

Les toiles lumineuses de Joaquín Sorolla y Bastida (1863-1923) s'exposent peu à l'extérieur de son musée madrilène, à part quelques rares excursions, comme à Giverny en 2016. Cette fois, c'est la National Gallery qui reçoit sur son sol la première exposition de l'impressionniste espagnol depuis plus d'un siècle.
Connu comme le « maître de la lumière » pour ses toiles iridescentes, c'est l'occasion rare de voir l'exposition la plus complète des peintures de Joaquín Sorolla hors d'Espagne.
Des paysages marins, des jardins et des scènes de baigneurs pour lesquels il est le plus connu, aux portraits, paysages et scènes de genre de la vie espagnole, l'exposition présente 58 œuvres couvrant toute la carrière de Sorolla, dont beaucoup proviennent de collections privées et de lointaines.
« Sorolla: Spanish Master of Light » ou un remède éclatant à la morosité brexitienne.

[Photo : Promenade au bord de la mer, Valence, été 1909, Joaquín Sorolla]

The National Gallery
Sainsbury Wing
Trafalgar Square
WC2N5DN Londres - Royaume-Uni

www.nationalgallery.org.uk

Après un prélude consacré aux dieux de l’Olympe et à la Muse qu’invoque Homère, l’exposition part à la découverte du « prince des poètes », dont l’existence même est discutée. Elle explore aussi les phénomènes d’« homéromanie », qui ont marqué la science archéologique et inspiré des œuvres ou des comportements, suivant une imitation homérique d’une grande fécondité, jusque dans la vie quotidienne.
L’exposition fait revivre aux visiteurs les principaux héros et récits de l’Iliade et de l’Odyssée. Objets archéologiques et œuvres modernes évoquent ainsi la manière dont ces épopées ont été mises en images, avec une rare constance mais avec des variations selon les époques, qui relèvent d’une histoire du goût.
Le parcours revient également sur les plus célèbres scènes de la guerre de Troie, appartenant à d’autres poèmes aujourd’hui disparus mais qu’on lisait encore dans l’Antiquité. Elles révèlent la profusion de la matière épique antique et le miracle que constitue la conservation des œuvres d’Homère.
Heureux qui comme Ulysse va faire à Lens un beau voyage...

Louvre-Lens
99, rue Paul Bert
62300 Lens

www.louvrelens.fr

Qu’est-ce que notre ville, hier, aujourd’hui, demain ? En quoi la compréhension du passé nous aide-t-elle à mieux comprendre notre environnement quotidien ? « Rennes, les vies d’une ville » porte un regard historique et anthropologique sur le sujet : ce qui fait la ville depuis sa fondation (vers 10 av. J.C.) jusqu’aux années 2000.
L'exposition prend appui sur les nombreuses fouilles archéologiques menées par l’Inrap (Institut national de recherches archéologiques préventives) en lien avec des opérations d’aménagement urbain et de territoire de grande ampleur.
Grand public et familiale, cette exposition propose une vision pluridisciplinaire et inclut des dispositifs mécaniques, interactifs, audiovisuels, pour mieux appréhender la mutation du territoire.

Avec l'exposition « Balkrishna Doshi: Architecture for the People », le Vitra Design Museum présente la première rétrospective hors d'Asie du lauréat du prix Pritzker 2018, Balkrishna Doshi (né en 1927 à Pune, Inde). Le célèbre architecte et urbaniste est considéré comme le pionnier le plus important de l'architecture moderne de son pays natal. En plus de soixante ans de pratique, Doshi a réalisé une centaine de projets, dont des bâtiments pionniers comme l'Institut indien de gestion (1977-1992), son propre studio d'architecture Sangath (1980), et le projet de logements à destination de personnes à faibles revenus Aranya (1989).
Inspiré par Le Corbusier ou Louis Kahn, Doshi a adopté des éléments de l'architecture moderne et les a adaptés à la culture, aux traditions, aux ressources et à la nature locale. L'exposition présente de nombreux projets significatifs réalisés entre 1958 et 2014, allant de villes entières et de projets d'urbanisme à de grands bâtiments publics, de résidences privées à des intérieurs. L'exposition comprend un grand nombre d'œuvres originales telles que des dessins, des maquettes et des œuvres d'art provenant des archives et du studio de Doshi, mais aussi des photographies, des séquences de films et plusieurs installations en grandeur réelle. 

[Photo : Balkrishna Doshi, Sangath Architect’s Studio, Ahmedabad, 1980]

Vitra Design Museum
Charles-Eames-Straβe 2
Weil am Rhein - Allemagne

www.design-museum.de

À travers plus de soixante œuvres, dont certains prêts exceptionnels, des créations d’artistes précurseurs des années 1960 à aujourd’hui, l’exposition « Conquête urbaine » propose de revenir sur les origines et l’évolution du Street Art. Le parcours, construit en quatre séquences, dévoile les caractéristiques fondamentales d’un phénomène par ailleurs en perpétuel mouvement : les lois de la rue ; écritures urbaines ; un art urbain ; un art rebelle.
En introduction à l’exposition, deux œuvres monumentales seront créées in situ par les artistes Alëxone et Romain Froquet.

Musée des Beaux-Arts
25, rue Richelieu
62100 Calais
www.calais.fr