lL'agenda

Du 8 au 10 octobre 2015, les étudiants du diplôme de spécialisation et d'approfondissement des risques majeurs de l’École nationale supérieure d’architecture Paris-Belleville ont fait le relevé architectural, urbain et humain de la jungle de Calais. L’hypothèse de travail consistait à identifier derrière le désordre apparent en quoi la jungle de calais constituait un laboratoire de la ville du XXI^e siècle.
« Nulle directive d’aménagement, ni règlement d’urbanisme, ni planification industrielle ne précède ce phénomène né d’une association humaine et conduite par la nécessité. C’est pourquoi nous proposons, avec cette exposition, de revenir sur la naissance de ce qui pourrait bien être aux origines de nos propres villes, à une époque où les populations fuyaient la violence et la famine pour s’établir en des lieux inoccupés. » – Stéphane Gruet, architecte, philosophe, directeur du CCHa

L'exposition « Naissance d'une ville – La jungle de Calais », conçue à partir des relevés réalisés par ces étudiants, est produite par Faire-Ville avec le partenariat de l'École nationale supérieure d'architecture de Toulouse.

CCHa [Centre des Cultures de l’Habiter]
5, rue Saint-Pantaléon
31000 Toulouse
www.faire-ville.fr

Si la Première Guerre mondiale sème la mort et freine l’élan avant-gardiste, l’expérience du front et ses traumatismes physiques et psychologiques ne font pas taire artistes et intellectuels. Au contraire, ils livrent une vision absolument moderne de la guerre jusqu’aux années 1930 marquée par les réminiscences traumatiques et les analyses visionnaires d’une société bouleversée.
L’exposition « La guerre et après » présente ainsi une sélection exceptionnelle de gravures, dessins, livres illustrés d’artistes soldats, reporters, témoins civils, intellectuels et résistants pacifistes.
Le parcours dévoile la traduction artistique et littéraire de l’engagement et de la lecture de la société européenne d’artistes tels qu’Otto Dix, Jean-Emile Laboureur, Frans Masereel, Romain Rolland.

[Illustration : Otto Dix, Le Réveil, 1918, gouache.]

Musée des Beaux-Arts
Place du Palais de Justice
73000 Chambéry
www.chambery.fr

Haute Agora, étude menée par l’architecte Jean-Christophe Quinton avec les ingénieurs du bureau Bollinger + Grohmann, explore le potentiel des grandes structures pour accueillir les activités humaines. Le projet conjugue et imagine simultanément de nouveaux systèmes techniques plus vertueux, plus économes en matière et une étude pour une plus grande diversité d’usages des espaces dans les constructions de grande hauteur.
Modes de vie audacieux, nouvelles civilités, nouvelles relations fictionnelles et fonctionnelles, parcs, ou dispositif d’épuration de l’eau les programmes proposés démontrent la capacité de cette Haute Agora à réinterroger les façons d’envisager les immeubles de grande hauteur.
Au travers de croquis, maquettes, calculs, dessins techniques, mais également d’un document de plus de 20 mètres détaillant les usages dans les différents étages et d’expériences de réalité virtuelle, l’exposition propose au visiteur une immersion complète au cœur de ce projet de recherche ambitieux, stimulant et collaboratif.

Dans le cadre de la saison « Japonismes 2018 : les âmes en résonance », le Musée des Arts décoratifs rend hommage au Japon et à son art et révèle à cette occasion toute la richesse de ses collections qui illustrent depuis la fin du XIX^e siècle les relations artistiques entre ces deux grandes nations.
« Japon-Japonismes. Objets inspirés, 1867-2018 » met en lumière ce fonds exceptionnel d’art japonais ancien, l’un des plus importants en France, mis en regard avec les créations occidentales japonistes. L’exposition, enrichie de prêts d’institutions, de créateurs et de collections particulières venues tout spécialement du Japon, dit combien cette fascination réciproque a eu d’expressions pendant plus d’un siècle et demi, et qui donne, encore aujourd’hui, toute sa vigueur à l’imagination des artistes.

[Photo : Charlotte Perriand, chaise longue basculante, Japon, 1940. Musée des Arts décoratifs.]

Portraitiste de renom, Fred Stucin a également le goût des métropoles et des projets au long cours. Alors qu’il s’apprête à publier une première monographie éponyme aux éditions le Bec en l’air, la Galerie VU’ lui consacre une exposition avec « Only Bleeding », série réalisée entre 2011 et 2017 à Las Vegas.
On pourrait s’attendre aux néons, à l’argent qui coule à flots, à l’inévitable dose de kitch et de paillettes. Mais ce n’est pas de cela qu’il s’agit, nulle part ne retentit de Viva Las Vegas ! 
Dans les images de Fred Stucin, les rues sans charme aux lignes droites, aux enseignes mornes et à la blancheur aseptisées sont vides, écrasées de soleil. Le photographe s’attarde aussi sur des visages… le regard éperdu, presque sidéré, hommes et femmes désespérément seuls, comme cherchant à échapper à une ville prête à les dévorer. À travers ce long travelling en noir et blanc, nous suivons les pas du photographe dans la ville désenchantée qui se consume.

La Galerie VU'
Hôtel Paul Delaroche
58, rue Saint-Lazare 
75009 Paris
https://galerievu.com

Les œuvres de Joseph Mallord William Turner (1775-1851) et de John Constable (1776-1837), deux des plus importants paysagistes de la Grande-Bretagne du XIX^e siècle, sont considérées sous un jour nouveau dans « Turner and Constable : Le paysage habité ». L'exposition comprend des peintures à l'huile, aquarelles, dessins et estampes qui explorent l'importance du paysage bâti et de la figure humaine qu'il renferme. 
Constable et Turner ont vécu et travaillé pendant une période de grands changements politiques, sociaux et industriels en Grande-Bretagne. Ils étaient conscients de la modernisation des pratiques agricoles, de l'amélioration de la sécurité nautique, de l'essor du tourisme européen et de l'urbanisation de l'Angleterre.
Dans cette exposition, les œuvres de Turner et de Constable sont explorées afin de révéler la signification sociale, culturelle, politique et personnelle des sujets représentés.

The Clark Art Institute
225 South Street
Williamstown, MA
États-Unis
www.clarkart.edu

Le Kunsthaus Zürich présente Oskar Kokoschka, expressionniste, migrant et citoyen du monde (au cours de sa vie il a élu domicile dans pas moins de cinq pays), et lui consacre sa première grande rétrospective depuis 30 ans en Suisse. Parmi les 200 œuvres présentées, on notera le triptyque monumental intitulé « La saga de Prométhée », qui sera exposé pour la première fois en Suisse.
Comme Francis Picabia et Pablo Picasso, Oskar Kokoschka (1886–1980) fait partie de cette génération de peintres restés fidèles à la peinture figurative alors que l’abstraction renforçait sa prédominance, après la Seconde Guerre mondiale. Si aujourd’hui la figuration et l’art abstrait peuvent être pratiqués côte à côte, sans guerres de tranchées idéologiques, c’est aussi grâce à eux. Des peintres comme Nancy Spero, Georg Baselitz, Herbert Brandl et Denis Savary s’inspirent de sa manière expressionniste. Ils admirent la gestuelle expressive de son coup de pinceau, saluent son ouverture sur le monde, ou partagent l’attitude pacifiste qui imprègne l’œuvre, la vie et l’héritage du maître viennois. 

Kunsthaus Zürich
Heimplatz 1
CH–8001 Zurich
www.kunsthaus.ch

À l'occasion du 100^e anniversaire du Bauhaus le Centre Franco-Allemand de Provence, la Fondation Vasarely, les Amis de la Fondation Vasarely et ses partenaires du « Cycle : architecture, enjeux et regards d'aujourd'hui » présentent une exposition de photographies conçue par le Bauhaus-Archiv Berlin.
Sont présentées 100 œuvres clés sélectionnées parmi une collection mondiale de plus de 70 000 photographies du Bauhaus. À travers cinq thèmes de la vie à l'école du Bauhaus (fêtes et représentations, quotidien et loisirs, vie dans les ateliers), en montrant des portraits, des photographies d'architecture et de produits ainsi que les travaux issus du cours de photographie de Walter Peterhans, le visiteur découvre la richesse et la diversité artistique de la photographie telle qu'elle a été pratiquée au Bauhaus.

Fondation Vasarely
Jas de Bouffan
13096 Aix-en-Provence
www.fondationvasarely.org

« Foujita, œuvres d’une vie (1886-1968) » est une rétrospective du premier artiste japonais de renommée internationale installé à Paris. Elle réunit 37 peintures représentatives de l’évolution de l’artiste, soigneusement choisies parmi les collections de musées japonais et français. Elle retrace l’ensemble de la carrière de Foujita – de son arrivée à Paris en 1913 à sa mort en 1968, mettant en lumière la faste période du Paris des années 1920.
Une dizaine d’œuvres des années 1930 et 1940 réalisées en Amérique latine et au Japon – notamment deux peintures de guerre – sont montrées à Paris pour la première fois.
Le parcours de l’exposition, qui s’articule autour de cinq sections, présente l’essentiel de soixante ans de création et propose de porter un regard inédit sur l’œuvre de Foujita.

[Photo : Foujita, Autoportrait, 1929, The National Museum of Modern Art, Tokyo]

Maison de la culture du Japon à Paris
101 bis, quai Branly
75015 Paris
www.mcjp.fr

« Utopie & Métamorphoses », l'exposition des 5 ans du Musée Regards de Provence, donne à revivre en images immersives le chantier de la métamorphose de l’ancienne station sanitaire en musée. C'est aussi l’occasion de faire un éclairage sur le travail in situ de Georges Rousse.
Le plasticien photographe n’a eu de cesse d’arpenter le monde en quête de lieux désaffectés, ou patrimoniaux, ou encore destinés à disparaître, visant à composer avec leur histoire, voire avec leur mémoire pour les charger d’une dynamique inédite. 
Mêlant architecture, forme, inscription, peinture et photographie, il a été invité à intervenir pendant le chantier et a donné vie à deux installations anamorphiques. 

Musée Regards de Provence
Allée Regards de Provence
13002 Marseille
www.regardsdeprovence.com

Pour Chagall, le dialogue entre le noir et blanc et la couleur commence dès les années 1920, lorsqu’il découvre les techniques de gravure à Berlin. Sur commande d’Ambroise Vollard, dans les années 1920 et 1930, il illustre les Fables de La Fontaine et la Bible. L’artiste saisit alors les gammes de couleurs des paysages d’Auvergne et de la Palestine avant d’appréhender la densité et les profondeurs des noirs.
À son retour en France, à la fin de 1947, après l’exil américain, l’œuvre de Chagall est enrichie par son expérience au Mexique et à New York, qui lui insuffle une nouvelle dimension plastique et monumentale. Toujours à l’écoute de son temps, Chagall entreprend un cheminement audacieux où l’interrogation du volume l’amène à explorer l’univers des lumières, des ombres, des matières et des transparences contenues dans le noir et blanc. Cette recherche autour des subtilités chromatiques et lumineuses du noir et blanc aboutit à l’épanouissement de couleurs vives et intenses qui renouvellent son œuvre picturale.

Hôtel de Caumont
3, rue Joseph-Cabassol
13100 Aix-en-Provence

www.caumont-centredart.com

[Photo : Untitled, 1972 © Estate of Vivian Maier/Maloof Collection, Courtesy Les Douches la Galerie, Paris & Howard Greenberg Gallery, New York]

En 2010, la Fondation Vasarely et ses partenaires privés et institutionnels organisent un concours et désignent une équipe de maîtrise d’œuvre pour la restauration et l’extension de son édifice d’Aix-en-Provence. L’option retenue par Jacques Repiquet, achitecte mandataire, la Fondation et le Conservateur régional des Monuments historiques Robert Jourdan, consiste à restaurer l’édifice dans sa configuration actuelle, quitte à réaliser une construction complémentaire.
La construction, voulue par Victor Vasarely et dirigée par l’architecte Jean Sonnier dès 1973, témoigne d’une époque révolue, déjà historique. Le classement au titre des Monuments historiques en 2013 reconnaît cette expression singulière, ce sommet de la relation entre art et architecture atteint par l'implication personnelle du plasticien, produisant une œuvre d’art total, où contenant et contenu sont indissociables.
Les archives de la Fondation contiennent une importante documentation concernant l’histoire de sa construction. Cette exposition nous la retrace…

Fondation Vasarely
Jas de Bouffan
13096 Aix-en-Provence
www.fondationvasarely.org

« Peindre la nuit », c'est représenter la nuit ou peindre de nuit ? Source d’inspiration majeure de l’histoire de l’art, la nuit demeure un terrain d’expériences fécond et permet de poser des questions essentielles sur notre condition et notre place dans l’univers, comme sur le rôle de l’art.
La nuit se retrouve au cœur de débats actuels, qu’ils soient sociétaux (ouvrir les magasins la nuit ou la consacrer au sommeil ?), écologiques (la pollution lumineuse qui nous empêche de voir les étoiles ou qui dérègle la vie animale ?), politiques (nuit debout, traversées clandestines de frontières) ou scientifiques.
Omniprésente chez les artistes, notamment depuis la fin du XIX^e siècle, la nuit a évolué et nous a transformés, à travers des révolutions majeures comme l’électrification et l’éclairage, la psychanalyse ou la conquête spatiale : autant de bouleversements dans la définition et le rapport que l’on entretient avec la nuit.
Le Centre Pompidou-Metz rassemble ainsi une centaine d’artistes, de figures historiques (Winslow Homer, Francis Bacon, Anna-Eva Bergman, Louise Bourgeois, Brassaï, Paul Klee, etc.) et d’artistes contemporains (Jennifer Douzenel, Olaf Nicolai, Gerhard Richter, etc.) ainsi que de spectaculaires installations dont certaines sont conçues spécialement pour ce projet.

[Crédits : Milky Way (1989-1990), Peter Doig, Scottish National Gallery of Modern Art © Peter Doig. All Rights Reserved, DACS/Artimage 2018. Photo : Jochen Littkemann/ADAGP Paris, 2018]

Centre Pompidou-Metz
1, parvis des Droits-de-l’Homme
57020 Metz 
www.centrepompidou-metz.fr

Comment l’architecture peut-elle transcender la simple construction ? Tandis que l’histoire du discours architectural s’est toujours attachée à répondre à cette question, une formule revient inlassablement : l’architecture a ses effets.
C’est le cas du musée Guggenheim Bilbao construit en 1997. La transformation de la ville en raison du tourisme mondial, ainsi que la redéfinition du rôle du musée en tant qu’icône du changement social et culturel, a engendré le dénommé « effet Bilbao ».
Pionnier dans l’utilisation de la technologie numérique dans la conception, la construction et la diffusion d’images, le bâtiment érigé par Frank Gehry établit un nouveau modèle quant aux effets de l’architecture en utilisant les mêmes outils qui allaient bouleverser nos vies dans les années suivantes.
« Architecture Effects » est une exposition sur l’architecture, l’art et la création de narrations. L’expérience que propose cette exposition est conçue comme un va-et-vient incessant entre la spéculation historique et la conjecture futuriste, en permettant aux visiteurs de se sentir hyper connectés dans l’espace et le temps par le biais du corps et de l’esprit.

[Photo : Frank Gehry, Plan numérique du bâtiment du Musée Guggenheim Bilbao réalisé avec le logiciel CATIA, 1997]

Musée Guggenheim
Avenida Abandoibarra,
2 48009 Bilbao 
www.guggenheim-bilbao.eus

En 2018, le musée national Fernand Léger a souhaité mettre en lumière les riches correspondances thématiques et plastiques qui existent entre la peinture de Fernand Léger (1881-1955), pionnier de l’avant-garde de la première moitié du XX^e siècle, et l’œuvre photographique de Stéphane Couturier, artiste français né en 1957.
La rencontre de Stéphane Couturier avec l’œuvre du peintre a donné lieu à la création de photographies inédites, inspirées par la collection du musée : Stéphane Couturier a choisi le tableau intitulé Le Grand Remorqueur, paysage industriel des bords de Seine peint par Fernand Léger en 1923, point de départ pour le photographe de nouvelles prises de vue, réalisées dans la ville de Sète à l’automne 2017.
L'exposition (prévue jusqu'au 4 mars joue les prolongations jusqu'à fin avril) présente également des œuvres plus anciennes de Stéphane Couturier, qui établissent un dialogue in situ avec les tableaux de Fernand Léger.

Musée national Fernand Léger
255, chemin de Pôme
06410 Biot
www.musee-fernandleger.fr

« Cartes et territoires » est la première rétrospective de Luigi Ghirri (1943-1992) hors de son Italie natale. Centrée sur les années 1970, elle retrace une décennie au cours de laquelle Ghirri a bâti un corpus d’images en couleurs sans équivalent dans l’Europe de l’époque. Géomètre de formation, il commence à photographier durant le week-end, arpentant les rues, places et faubourgs de Modène, échafaudant des projets et des thématiques. 
« Je m’intéresse à l’architecture éphémère, à l’univers de la province, aux objets considérés comme de mauvais goût, kitsch, mais qui, pour moi, ne l’ont jamais été, aux objets chargés de désirs, de rêves, de souvenirs collectifs […] fenêtres, miroirs, étoiles, palmiers, atlas, globes, livres, musées et êtres humains vus par l’image. »

[Commissaire : James Lingwood]

Jeu de Paume
1, place de la Concorde
75008 Paris
www.jeudepaume.org

Les plus grands architectes français et internationaux (Christian de Portzamparc, Jean Nouvel, Jean-Michel Wilmotte, Daniel Libeskind, Winy Maas) ont transformé Issy-les-Moulineaux en favorisant sa mutation de la banlieue industrielle photographiée par Robert Doisneau au début du XX^e siècle en une ville moderne, pleinement ancrée au cœur du Grand Paris, qui s’offre cette année au regard d’un autre grand nom de la photographie, Raymond Depardon.
Le Musée français de la Carte à jouer a passé commande d'une série de photographies auprès de l'artiste, dont l’œuvre photographique et cinématographique a été récompensée par de nombreux prix (Prix Louis-Delluc, César du meilleur film documentaire). Une quarantaine de photos ont été sélectionnées pour l’exposition intitulée « Paysages d’architecture – Une promenade à Issy par Raymond Depardon », dont la scénographie est signée Théa et Jean-Michel Alberola, artiste et professeur à l’École nationale supérieure des beaux-arts de Paris.
Une quinzaine d’édifices et sites emblématiques sont plus particulièrement mis à l’honneur, dont certains conçus par de grands noms de l’architecture internationale, à l’exemple du Vaisseau (« V-SO ») par Jean Nouvel (1992) et de Galéo (Bouygues Immobilier) par Christian de Portzamparc (2009). 

[Crédit photos : Portrait Raymond Depardon © Ville d’Issy-les-Moulineaux | Entrée du Vaisseau par Jean Nouvel (DR) © Raymond Depardon | Tour HD par Françoise Raynaud (DR) © Raymond Depardon]

Musée français de la Carte à jouer
16, rue Auguste-Gervais
92130 Issy-les-Moulineaux
www.museecarteajouer.com

Qu’est-ce que notre ville, hier, aujourd’hui, demain ? En quoi la compréhension du passé nous aide-t-elle à mieux comprendre notre environnement quotidien ? « Rennes, les vies d’une ville » porte un regard historique et anthropologique sur le sujet : ce qui fait la ville depuis sa fondation (vers 10 av. J.C.) jusqu’aux années 2000.
L'exposition prend appui sur les nombreuses fouilles archéologiques menées par l’Inrap (Institut national de recherches archéologiques préventives) en lien avec des opérations d’aménagement urbain et de territoire de grande ampleur.
Grand public et familiale, cette exposition propose une vision pluridisciplinaire et inclut des dispositifs mécaniques, interactifs, audiovisuels, pour mieux appréhender la mutation du territoire.